„Thunderstruck“ als perfekter Country-Song: E3 im Hüttenwerk Michelstadt

Da sind sechs absolute Profis am Werk. Was das Sextett an musikalischem Können akustisch auf die Bühne des Hüttenwerks zauberte, war allererste Sahne. Als ein „Mix aus American Folk, Elementen aus Blues, Westcoast und Irish Folk“ kündigen sie ihren Stil an. Doch dahinter verbirgt sich viel mehr. Neben eigenen, sehr eingängigen Songs wurde „Thunderstruck“ von AC/DC perfekt auf Country gemacht: Das war einfach nur klasse und hätte auch beim zweiten Aufritt im Hüttenwerk viel mehr Zuschauer verdient gehabt.

Wenn man genauer auf die Musiker schaut, wird klar, warum die Songs so perfekt rüberkommen, auf den Punkt gespielt werden, dass jeder Ton sitzt. Denn jeder Instrumentalist ist ein Meister seines Fachs – und hat auch noch die passende Stimme zum Song. Zusammen mit einer großen Spielfreude, die auch vor kleinem Publikum nicht halt macht, zaubert „E3“ einen mal melancholisch-ruhigen, mal fetzig-rauschenden Klangteppich mit keltischen, Country- und Folk-Tönen in den Saal.

Im Gegensatz zum Konzert im vergangenen Jahr hat die Truppe aus dem Rhein-Main-Raum dieses Mal viel mehr Wert auf eigene Kompositionen gelegt. Gewürzt mit filigranen Soli auf den jeweiligen Instrumenten, sorgen die Cracks mal für ein Soundgewitter, mal für besinnliche, leise Töne. „Starry Eyes“ hat unverkennbar keltische Anklänge, lebt vom Duett von Geige und Saxofon. Ein Markenzeichen der Band ist auch der mehr-, bis zu fünfstimmige Gesang.

Die Zuschauer merken, dass vor ihnen sechs Musiker zum Anfassen auf der Bühne stehen, die (auch übereinander) ihre kleinen Scherzchen machen, sich nicht so ernst nehmen, aber andererseits die Musik sehr ernst. Wenn Peter Reimer auf Gitarre oder Mandoline anfängt zu zaubern, gibt es kein Halten. Beim deutschen Rock- und Pop-Preis 2014 räumte er gleich dreimal ab, unter anderem in der Kategorie „Bester Instrumentalsolist“.

Beim Zuschauen, wie die Finger über die Saiten flitzen, lässt sich diese Entscheidung gut nachvollziehen. Mark Patrick (Gesang/Gitarre) ist noch aus seinen Zeiten als Frontmann bei „Paddy goes to Holyhead“ bekannt. Gunnar Jürgens an der Geige und Multiinstrumentalist Ralf Olbrich auf Gitarre, Mandoline, Saxofon oder Harmonika spielten sich immer wieder virtuos die Bälle zu. Erhard Koch am Bass und Thomas Wimmer am Schlagzeug komplettieren die Truppe, bei der jeder außer dem Drummer auch gesanglich ran darf. Dem wird dafür ein Solo zugestanden.

„Devil went down to Georgia“ geht mehr Richtung Country. Jürgens fiddelt sich einen ab, während die anderen den Song in Sprechgesang „runterrattern“. Bei „Her Majesty“ bringt Olbrich ein „Saxillo“ zum Einsatz, das ein australischer Instrumentenbauer nur aus Holz fertigte. Der warme, volle Klang beeindruckte, das eigens dafür geschrieben Stück, eine gefühlvolle Ballade, ebenso.

Die fünf Frontmänner mit ihrem Taktgeber im Hintergrund spielen sich die Bälle virtuos zu. Wie überhaupt die Band den Covers eine ganz eigene Note aufdrückt, die das Original noch erkennen lässt, aber in ihrer Abänderung daraus schon ein neuer Song wird. Leider sind im aktuellen Programm nicht mehr „Wish you were here“ von Pink Floyd oder „Long train running“ von den Doobie Brothers“ zu finden, die zuvor Garant für offene Münder waren.

Dass AC/DCs „Thunderstruck“, in dem Peter Reimer versucht, das Publikum zum „Thunder“-Grölen zu animieren, begeisterten Beifall einheimst, ist klar. Der Song ist so etwas wie das Markenzeichen der Gruppe. Auf Mandoline, Gitarre, Harmonika, Geige, Bass und mit zwei Löffeln kreieren die sechs eine Version, die gewaltig abgeht und Gaudi pur ist – auf höchstem musikalischem Niveau. „Dust in the Wind“ von Kansas gibt’s dann noch als Zugabe obendrauf. Einfach klasse Musik.

Advertisements

Mit den „Quinns“ werden im Hüttenwerk alte Rockklassiker lebendig

Zeitmaschine an und 50 Jahre zurück in die Ära der glorreichen Rock- und Popmusik mit zeitlosen Ohrwürmern, die auch heute noch jeden Musikfan verzücken. „The Quinns“ stehen auf der Bühne des Hüttenwerks und bringen die goldenen Oldies mit viel Power rüber, dass bei den Zuschauern wohlige Erinnerungen an die ausgehenden 1960er und beginnenden 1970er Jahre hochkommen. Doch nicht nur „Zeitzeugen“ sind zu diesem Konzert gekommen, auch viele Jüngere, die zu dieser Zeit noch gar nicht geboren waren, wissen die handgemachte Musik von früher zu schätzen.

Manfred Mann, Beatles, Kinks, Stones oder The Who, Doors, Cream, Bee Gees, David Bowie oder T-Rex: Die fünf Musiker nehmen die anfangs noch etwas spärliche Gästeschar mit in die Flower-Power-Ära. Passend dazu auch die Kleidung jener Zeit: rot-, orange- oder weiß-schwarz-gestreifte Hosen, knallige Outfits, übergroße Sonnenbrille oder weißes Rüschenhemd ziehen die Blicke auf sich. Bis dann die Musik einsetzt und die Aufmerksamkeit zum Gehör wechselt.

Ein voller, druckvoller Sound, gepaart mit mehrstimmigem Gesang und einer guten Abmischung, die leider nicht mehr selbstverständlich ist, sorgen dafür, dass die Illusion nahezu perfekt ist. Frontmann Mark Patrick, einige Jahre auch bei „Paddy goes to Holyhead” am Mikro, drückt den Songs seinen Stempel auf. Er schafft es, die verschiedenen Original-Stimmen bestens unter einen Gut zu bekommen. „Mighty Quinn“ oder „Let’s spend the night together“ machen zu Beginn gleich Lust auf mehr.

Bassist Freedl Carl und Paul Ermisch an den Drums bilden gemeinsam die „Hauptverantwortlichen“ für Groove und Tempo in der Band. Dirk Wenzel beherrscht das Klavierspiel ebenso wie den Umgang mit den Sounds der 60er-Jahre-Songs perfekt, Uli Heitzenröder hat den Part des Leadgitarristen inne und darf die virtuosen Soli der Großmeister auf die Saite genau intonieren. Alle zusammen spielen sie klassische Gute-Laune-Songs, bei denen keiner mehr ruhig stehen bleiben kann.

Jugenderinnerungen an den Tanzkurs werden wach, als „Nights of white satin“ läuft und das erste Paar engumschlungen vor der Bühne tanzt. „Riders on the Storm“ oder „Light my fire“ von den Doors haftet noch etwas der Hauch des Verrufenen an, als die Eltern mit dieser Art von Musik Ende der 60er nichts anfangen konnten, zuhause Peter Alexander oder Karel Gott liefen und Rockklänge eher heimlich gehört werden mussten. Ob es „Substitute“ von The Who ist oder „Hush“ von Billy Jo Royal, die Quinns spielen die ganzen Klassiker hoch und runter. Die verschiedenen Stücke geben den Instrumentalisten viele Möglichkeiten, ihr Können auf Tasten, Saiten oder Fellen zu zeigen.

Während das Keyboard bei den Doors im Vordergrund steht, sind es bei The Who die klassischen Gitarrenriffs von Pete Townsend, die einen Widererkennungseffekt haben. Dann noch das gefühlvolle „Wild Horses“ der Stones hinterher: Der langsam voller gewordene Saal schwelgt in Erinnerungen.

In den „Cream“-Songs der Setliste darf Heitzenröder exzessiv den Clapton machen, die Soli auf den sechs Saiten zelebrieren und bekommt dafür viel Applaus. „Get back“ von den Beatles lässt die Zuschauer vom ersten Ton an mitklatschen. Mark Patrick wird nicht müde, zum Mitsingen zu animieren und hat damit mehr und mehr Erfolg. Als bei „Brown Sugar“ die Akkorde von Keith Richards durch den Raum schweben, ist ein merkliches Zucken den Beinen des Publikums festzustellen.

Das ist auch im zweiten Set voll dabei, als die Band die andere Hälfte der weit über 30 Songs aus den guten, alten Musikjahren anstimmt. Die Show wird von der fünfköpfigen Band zu 100 Prozent live gespielt und bedeutet Musik und Unterhaltung auf hohem Niveau. Das Quintett drückt den Songs bei aller Originalität seinen eigenen Stempel auf. Meisterwerke der Meister aus der Zeit von 1965 bis Anfang der 1970er Jahre sind zu hören, die Oldie-Kennern am Herzen liegen, aber nicht von vielen Bands dieser Stilrichtung gespielt werden.

Info: Die „Quinns“ treten am Samstag, 3. November, 21 Uhr (Einlass 19 Uhr), im „Beavers“ Miltenberg auf. Tickets unter http://www.beaversmiltenberg.de

„Purple Rising“ erweckt im Hüttenwerk Michelstadt Deep Purple zum Leben

Als wäre die Zeit stehen geblieben: So muss es vor 45 oder 50 Jahren geklungen haben, als die britische Hardrockband Deep Purple in wechselnden Besetzungen eines ihrer legendären Konzerte gab. „Mark II“ ist dabei die Formation, die sich am ehesten ins Gedächtnis eingebrannt hat, da der Fünfer so legendäre Songs wie „Smoke on the Water“, „Child in Time“, „Lazy“ oder „Space Truckin‘“ komponierte. Aber auch Mark III mit „Burn“ oder „Mistreated“ kommt zu seinem Recht.

Satt wummert der Bass von Roger Glover aus den Marshall-Boxen, majestätisch thront die Hammond-Orgel von Jon Lord über den Songs, filigran reiht sich Ritchie Blackmores Gitarrenspiel ein, in schnellem Rhythmus halten die Drums von Ian Paice den Takt, während sich Ian Gillan die Seele aus dem Leib singt und schreit. Mit einem Unterschied: Es stehen nicht die Deep Purple von 1972 wie bei „Made in Japan“ auf der Bühne des Hüttenwerks, sondern mit „Purple Rising“ eine Coverband, die die Hits von damals auf der Bühne frisch und fetzig spielt – einfach perfekt.

Dominik Stotzem (Bass), Andreas König (Hammondorgel, Keyboards), Patrick Sühl (Vocals), Stefan Deissler (Drums) und Reik Muhs (Gitarre) erschaffen im Hüttenwerk Michelstadt eine perfekte Illusion früherer Jahre. Enthusiastisch, exzessiv, ausufernd, nicht enden wollend, auf den Punkt genau werden die alten Kracher von der fünfköpfigen Band förmlich zelebriert, die Spielfreude kommt in jedem Ton rüber. Die Reminiszenz ist quasi total.

Es stimmt alles, von den Handbewegungen, dem affektierten Gehabe über die Kleidung und den Haaren bis hin zu den diversen Instrumenten. Reik Muhs imitiert den Meister auf den sechs Saiten, Ritchie Blackmore, beinahe schon so perfekt, dass es unheimlich ist. Selbst die Frisur aus den 70ern stimmt. Mit der Fender Stratocaster-Gitarre ergibt das inklusive stimmiger Bewegungen, den typischen Posen und dem virtuosen Spiel ein Gesamtbild, wie es besser nicht sein könnte.

Richtig (unheimlich) authentisch wird es, wenn er sich mit Andreas König an Hammond-Orgel und Keyboards immer wieder die legendären musikalischen Duelle liefert. „Highway Star“, „Space Truckin‘“ oder „Black Night“ sind solche Klassiker, die inklusive der eingestreuten Soli überhaupt nicht mehr enden wollen.

Wie König den nicht mehr unter uns weilenden Jon Lord gibt, ist ebenfalls ein Hingucker für sich. Seine Hammond-Orgel hat schon 63 Jahre auf dem Buckel und ist bei jedem Aufbau „eine Riesen-Plackerei“. Aber der Sound! Der ist unvergleichlich und legt quasi sofort den Schalter um – das legendäre Live-Album „Made in Japan“ lässt grüßen. Dazu noch die Leslie-Verstärker, nur wenig jünger als das Instrument. Auch Jon Lords Fingerzeige hat sein Epigone bis ins kleinste Detail drauf.

Dominik Stotzem am Bass hat eher was vom zappeligen und nie still stehenden Ausnahmekünstler Glenn Hughes. Er ist eindeutig der Partymacher in der Band, animiert das Publikum ein ums andere Mal erfolgreich zum Mitmachen und Mitsingen, ist wie ein Irrwisch auf der Bühne unterwegs und hat einfach den puren Groove im Blut.

Sänger Patrick Sühl darf sich gleich an vier Vorgängern abarbeiten und macht seine Sache sehr gut. Rod Evans stand bei „Hush“ und „April“ am Mikro, mit dem Deep Purple 1968 die ersten großen Erfolge feierte. Und dann natürlich Ian Gillan vom klassischen Mark II-Line-up, den Sühl sehr gut draufhat. „Child in Time“ etwa oder „Smoke on the Water“ klingen mit geschlossenen Augen wie vor mehr als 45 Jahren. Mit „Stormbringer“ lieferte David Coverdale ein Glanzstück ab. Etwas schwerer tut er sich mit dem Gesang von Glenn Hughes oder auch Joe Lynn Turner, wenn mit „Fortuneteller“ ein Rainbow-Stück eingestreut wird.

„Catch the Rainbow“ am Schluss, bei dem der vor einigen Jahren verstorbene Ronnie James Dio am Mikro stand, ist ein besonderes Schmankerl. Wie auch „Halleluja“, der erste Song der Mark II-Besetzung, oder das Concerto von Jon Lord, bei dem dieser wegbereitend eine Rockband zusammen mit einem klassischen Orchester auftreten ließ. Der Jubel der Besucher kennt keine Grenzen, die Band wird enthusiastisch gefeiert.

„Coversnake“ zelebriert im Hüttenwerk Michelstadt das Wirken von David Coverdale

Der Mann hat den Blues in der Stimme. Wenn Emmo Acar anfängt, mit seiner Band „Coversnake“ einen auf David Coverdale zu machen, dann ist es, als stünde der Deep Purple- und Whitesnake-Sänger selbst auf der Bühne. Mit viel Power, groovend, bluesig, rockig und in den höchsten Tönen nähert sich der Voice-of-Germany-Teilnehmer von 2015 dem Rockshouter ganz, ganz nahe, hat dazu noch die richtigen Bewegungen und das zweideutige Spiel mit dem Mikro-Ständer perfekt darauf.

Wer vor der Zugabe noch gemeint hatte, besser geht nicht mehr, den belehrten zwei weitere Songs von „Coversnake“ eines Besseren. Die Whitesnake-Epigonen hatten bereits zuvor eineinhalb Stunden lang das Wirken von David Coverdale im Hüttenwerk perfekt inszeniert und die größten Perlen aus dessen 45-jähriger Musikgeschichte zelebriert. Da saßen die Töne, gab es krachende Soli, eindrucksvolle Rocker-Posen, 70er-Jahre-Look, klassische 80er-Jahre-Hardrock-Frisuren und lange Haarmähnen zu sehen.

Schon als die ersten Töne von „Mistreated“ als Zugabe erklingen, kennt die Begeisterung keine Grenzen. Acar gibt alles, geht an seine höchsten Ton-Grenzen, kann das ganze Volumen seiner klangvollen Stimme ausschöpfen. Es ist, wie wenn die Zeit vor 44 Jahren stehengeblieben wäre, als das legendäre Deep-Purple-Album „Burn“ mit der Mark III-Besetzung herauskam, auf dem auch dieser Song mit Coverdale am Mikro zu finden ist.

Der Song wird exzessiv in allen Facetten vor den begeisterten Fans ausgebreitet. Nur ein paar mehr hätten ins Hüttenwerk zu dieser perfekten Hommage an eine Rocklegende gepasst. Einer geht danach noch – zum Glück. Wie würden es „Coversnake“ wohl schaffen, nach diesem Klassiker noch einen draufsetzen? Ganz einfach: mit einem der bekanntesten Hardrock-Stücke überhaupt. „Burn“ rockt die Halle kurz vor Mitternacht in einer Form, dass es jetzt auch dem allerletzten in den Gliedern zuckt.

Getreu dem Motto, man soll aufhören, wenn es am schönsten ist, ist danach wirklich Schluss. „Coversnake“ hatte mit „alter“ Musik gezeigt, wie man die Leute hinterm Ofen hervorlockt, mit handgemachten Songs begeistert und mit exzessiver Spielfreude den Klassikern neues Leben einhaucht. Dabei immer mit genug Respekt vor dem Original.

David Coverdale steht natürlich nicht nur für die Deep-Purple-Kracher. Auch mit „Whitesnake“ hat er Musikgeschichte geschrieben. Dankbarerweise konzentriert sich die Coverband mehr auf die frühen Jahre Ende der 70er bis Ende der 80er, als die weiße Schlange noch mehr Bluesrock-orientiert war als später. Der Klassiker „Live in the Heart of the City“, 1980 als Doppel-Album erschienen, bietet ein Stück weit Orientierungsrichtlinie.

„Walking in the Shadow of the Blues“, „Fool for your Loving“ oder „Ready an’ Willing” hat die Coverband daraus im Gepäck. Martin Ulrich an der zweiten Gitarre und Bobby Stöcker spielen sich wie früher Micky Moody und Bernie Marsden die Klänge zu, dass es eine wahre Pracht ist. Jochen Schnur (Bass) und Axel Balke (Keyboards) sind die beiden weiteren Mitstreiter im Hintergrund, die für einen gnadenlos druckvollen Sound sorgen, dass der Dezibelmesser am Mischpult laufend in den dreistelleigen Bereich springt.

„Ain’t no live in the Heart of the City“ in seiner alten, bluesigen Version ist mit dem Stöcker-Solo einfach eine Wucht. Und spätestens als danach die ersten Klänge des wohl bekanntesten Whitesnake-Stücks aus vergangenen Tagen, „Here I go again“, erklingen, gibt es kein Halten mehr. „Cyring in the rain“, „Give me all your love“, „Slide it in“ oder „Still of the Night“ aus der erfolgreichsten Bandphase Mitte der 80er Jahre machen den Sack zu. Stöcker darf einmal mehr zeigen, dass er mit John Sykes das Spiel eines anderen Whitesnake-Gitarristen perfekt drauf hat. Jürgen Lucas knallt dem Saal ein fulminantes Schlagzeug-Solo um die Ohren, das einem Tommy Aldridge aus den mittleren Bandjahren zur Ehre gereichen würde.

Zum Bericht geht's hier:…

Posted by Thomas Wilken on Sunday, April 1, 2018

„Undercure“ machen im Hüttenwerk Michelstadt den Originalen alle Ehre

Augen zu und die Illusion ist perfekt. Vorn auf der Bühne des Hüttenwerks steht die britische Pop-/Rock-/Wave-/Gothic-Band „The Cure“ und spielt ihre größten Hits aus 40 Jahren Bandgeschichte. Augen auf – und die Illusion ist noch genau so perfekt. „Undercure“-Frontmann Holger Schwinn hat sich optisch so detailgetreu seinem Idol Robert Smith angenähert, dass höchstens das Alter noch ein Unterschied sein könnte. Musikalisch gibt’s nichts zu meckern: Die Band aus dem Odenwaldkreis bleibt so dicht am Original wie es eben möglich ist.

Das alljährliche Karfreitags-Konzert im Hüttenwerk mit „Undercure“ ist seit zwölf Jahren ein Kult-Event: Man trifft sich in den guten, alten 80ern. 2006 gründete sich die Band und kann seitdem eine stetig wachsende Fanbasis verzeichnen. Die wissen es zum einen zu schätzen, was sie musikalisch geboten bekommen, zum anderen, dass es am Karfreitag eine willkommene Abwechslung zum Feiertags-Einerlei gibt. 260 Gäste zählte man zur Halbzeit an der Kasse, was eine ziemliche Enge im Saal bedeutete – die Michelstädter wissen, was sie an der Band haben.

Schwinn mit seiner hellen Stimme, die schon Richtung Falsett geht, mit seinen toupierten Haaren und dem geschminkten Gesicht gibt den Smith par excellence. Die Bühnenshow mitsamt Ausleuchtung ist völlig auf ihn zugeschnitten. Die fokussierten Bühnenstrahler in Weiß vom Boden, in Rot, Blau oder Gelb von der Decke her tauchen den Frontmann immer wieder ins richtige Licht, das in seiner scharfen Abgrenzung einen sehr stimmigen Rahmen zur Musik schafft.

Wenn auch der Sänger absolut im Fokus steht, ist der beste Shouter nichts ohne die Band im Hintergrund. Für den mal fetten, druckvollen, mal dezenten, getragenen Sound haben sich ein paar Instrumenten-Cracks aus dem Odenwald zusammengefunden, die auch in anderen Bands ihren Dienst tun. Schwarz ist natürlich die dominante Farbe bei der Kleidung, aber zum Glück nicht musikalisch dominierend. Markus Fabian (Gitarre), der seine lange Kutte wegen der Hitze auf der Bühne schnell fallen lässt, ist für die meist funkigen Riffs zuständig, darf aber auch mal solomäßig ran.

Jens Weimar (Bass) und und Heiko Birkenstock (Schlagzeug) halten immer den richtigen Groove und sorgen dafür, dass alles im Takt bleibt. Sie treiben mit ihrem Spiel kräftig die Songs voran und schaffen es, dass „langsame“ Studionummern live doch ein bisschen anders, fetziger klingen. Dirk Weimar (Keyboard) lässt sein Instrument mal sphärenhaft, synthiemäßig oder als Piano klingen – je nachdem welche Schaffensphase „The Cure“ damals hatten.

Über allem thront natürlich Holger Schwinn: schmale Gestalt, schwarze Klamotten, extrem rot geschminkte Lippen, eine Stromschlag-Frisur vom Feinsten. Viele Worte gibt es über die Songs nicht zu machen. Es ist immer wieder überraschend, wie viele Hits die Band geschrieben hat, die man irgendwo alle schon einmal gehört hat und die in Fleisch und Blut übergegangen sind.

„Fascination street“, „Fire in Cairo“, „Pictures of You“, „Boys don’t cry“ oder „Love cats“ sind solche unvergesslichen Stücke aus den vergangenen 40 Jahren, die von der Coverband in der ersten Hälfte wie an einer Perlenkette zelebriert werden. Ohne große Ansage geht’s in die Pause, um danach ähnlich weiterzumachen. Nach „Friday I’m in love“, „Lullalby“ oder „Jumping someone elses train“ ist klar, dass noch nicht Schluss sein würde. „Play for today“ und Seventeen Seconds“ schließen sich als Zugabe an.

Aber auch danach konnte, wer wollte, noch lange weiter feiern. Passend zum Konzert begeht das Original ja in diesem Jahr sein 40-jähriges Bestehen unter diesem Namen. Die fünf Musiker von „Undercure“ hatten deshalb ihren Kollegen Sebastian Schimmer von der Band „Oel“ (DJ Schimmi) mitgebracht, um den Abend abzurunden. Im Anschluss gab‘s volles Programm mit 80er-Jahre-Musik im „Disco-Bistro“.

„Undercure“ will nicht nur die Songs der legendären, britischen Wave-Helden originalgetreu covern, nicht nur die Akkorde und Texte wiedergeben, sondern auch bei aller musikalischen Detailtreue den Geist der Songs auferstehen zu lassen und auf das Publikum zu übertragen. Das neue Experiment, die Songs auf Deutsch umzusetzen ist eine spannende Gradwanderung.

@[395078477618Konzert mit Undercure am Karfreitag mit Aftershow-Party]UndercureEventlokal Hüttenwerk Musik und mehr

Posted by Thomas Wilken on Saturday, March 31, 2018

 

„Bounce“ begeistern das Michelstädter Hüttenwerk mit ihren Bon-Jovi-Covers

Es gibt solche Konzerte, über die redet man auch noch in paar Jahren, weil sie einen unvergesslichen Eindruck hinterlassen. Ein solches war das der Bon-Jovi-Coverband „Bounce“, die im Hüttenwerk vor weit über 200 Gästen ihre Heroen in einer Form zelebrierte, dass die restlos begeisterten Fans nicht genug bekommen konnten. Zugabe um Zugabe schallte es nach Ende des regulären Sets gen Bühne. Von so viel Feedback mehr als angetan, ließ sich der Fünfer gerne bitten und servierte eine perfekte Bon-Jovi-Reminiszenz.

Allen voran ist Sänger Oliver Henrich, der sich ab und zu auch die zweite Gitarre schnappt. Er singt, ohne jetzt Jon Bon Jovi zu nahe treten zu wollen, fast noch besser als das große Vorbild, beherrscht charismatisch die Bühne, animiert die nur zu gerne zu begeisternden Gäste und verausgabt sich so total, dass er zum Schluss schweißgebadet, mit klatschnassen Haaren, die Klamotten am Leib klebend, die Welthits einen nach dem anderen exzessiv performt.

Wie Henrich die Zuschauer im Griff hat, die gesamte Breite der Bühne für seine Darstellung nutzt, raumfüllend mit vollem Körpereinsatz agiert, das ist schon einsame Klasse. Dazu noch eine oktavenüberspannende Stimme, mit der er jeden Song der Superband seinen Stempel aufdrückt: Musikfan, was willst du mehr. Doch, eines vielleicht: einen besseren Sound. Der war sehr Bass- und Bassdrum-lastig. Gitarre und Stimme traten manchmal unverdientermaßen zu sehr in den Hintergrund, während das laute Wummern fast für Herzrhythmus-Störungen sorgte.

Henrich gibt inmitten des vollen, satten Sounds und der perfekt durchgestylten Lichtshow den Showman par excellence. Mit aufgeknöpftem Hemd, Halskette und dem deutlich sichtbaren Bizeps sorgt er dafür, dass vorn an der Bühne etliche Bewunderinnen stehen und die Mitsing-Chor deutlich mehr helle Stimmen aufweist. Die aber bekommen neben der Optik auch einen zu hören, der es stimmlich absolut drauf hat.

Nichts ist von den weichgespülten Rockern bemerkbar, als die sich die Originale manchmal geben. Es fetzt, es knallt, es rockt, es hämmert. Das macht sich vor allem im zweiten Set bemerkbar, als „Bounce“ nach einem eher „gemäßigten“ Start wie entfesselt aufspielt. Was die Bon-Jovi-Tributeband bei ihrem Gastspiel abliefert, ist so nah am Original, dass da kein noch so dünnes Blatt mehr dazwischen passt.

Ein absoluter Knaller ist das unvermeidliche „Runaway“, das inzwischen auch schon mehr als 30 Jahre auf dem Buckel hat. Kaum hat Keyboarder Johannes E. Brunn die ersten charakteristischen Töne angestimmt, geht ein Jubel durch die Menge, gibt es kein Halten mehr. Henrich muss kaum animieren, die Zuschauer sind schon von ganz allein dabei.

„Raise your hands“ hatte davor bereits die Fans in Ekstase versetzt. Die Hände gehen fast wie von selbst in die Höhe, der Hüttenwerk-Chor macht den Shouter fast unnötig. Die Gäste kommen schon seit etlichen Jahren immer wieder ins Hüttenwerk. Kein Wunder, denn „Bounce“ spielt dort schon das elfte Mal. Es hat sich herumgesprochen, welche Profis auf der Bühne stehen.

„In these Arms“, „Dry county““, „Bad Medicine“, „You give love a bad name“ oder „Born to be my baby“ wiederum sind Songs, bei denen sich die Band so richtig austoben kann. Gitarrist Jens Rösel spielt ein ums andere Mal Richie Sambora den Rang ab, während Tommylare am Bass und Olav Quick am Schlagzeug die homogene Rhythm-Section bilden. Weitere Kracher aus früheren Zeiten, die ebenfalls von der überschäumenden Stimmung getragen werden, sind „Keep the Faith“, „Always“ oder „Bed of Roses“.

Nach letzterem sollte eigentlich Schluss sein. Doch die Band hatte die Rechnung ohne ihre Fans gemacht. Eine kurze Absprache untereinander und schon rockt „I’ll be there“ los. Das wird bis zur Erschöpfung exzessiv zelebriert, unter Einsatz der letzten Kräfte, mit Einbindung des lauthals mitsingenden Publikums, und bildet einen grandiosen Abschluss einer zweieinhalbstündigen Rocksause, die keiner so schnell vergessen wird.

Zum Bericht geht's hier:…

Posted by Thomas Wilken on Monday, March 12, 2018

AC/ID ist pures TNT für die AC/DC-Fans: Die Coverband rockt das Michelstädter Hüttenwerk

Warum für ein Konzert mit der australischen Supergruppe einen Haufen Geld ausgeben, wenn es AC/ID mit „Keule“ gibt? Die AC/DC-Coverband rockt im Hüttenwerk den proppenvollen Saal – quasi authentisch für einen Bruchteil des Eintrittspreises. Mit geschlossenen Augen stehen da die Hardrocker in vollem Saft auf der Bühne, brettert Angus Young die Gitarren-Riffs in die Menge, dass es eine wahre Pracht ist. Neben ihm röhrt Brian Johnson oder bei einigen Songs wahlweise der schon verstorbene Bon Scott die alten Hits ins Mikro.

Im Gepäck hat die Coverband vor allem die ganz alten Kracher Ende der 70er/Anfang der 80er Jahre, als AC/DC einen Hit nach dem anderen produzierte, zeitlose Hits schuf, die auch heute im Radio noch hoch und runter laufen. Wie ein roter Faden zieht sich die LP „Powerage“ durch den Abend, die in diesem Jahr 40. Veröffentlichungs-Jubiläum feiert. Die Wahl des Faschingssamstags als Termin war goldrichtig, weil so viele Fastnachtsmuffel so richtig abrocken konnten.

Ein Blick ins Publikum zeigte, dass AC/DC zeitlose Musik macht. Die in Ehren ergrauten Fans, die von der ersten Stunde an dabei waren, standen neben den „Youngsters“, die erst in den vergangenen Jahren mit den Klassikern wie „T.N.T.“, „Hells Bells“ oder „Highway to Hell“ in Kontakt kamen. Die Band ist ebenso zeitlos wie die Songs. Auch wenn mal der eine oder andere Musiker schwächelt oder – R.I.P. Malcolm Young und Bon Scott – Männer der ersten Stunde sterben, AC/DC lebt weiter.

Den fünf „alten Jungs“ auf der Bühne merkt man musikalisch in keinster Weise an, dass an Lebensjahren gar kein so großer Unterschied zu den Vorbildern ist. Je doller, desto doller, könnte man in Bezug auf die Spielfreude sagen. Kein Weg ist auf der Bühne für Ralf „Angus“ Keßler zu weit, der den legendären AC/DC-Saitenhexer in Grimassen, erratischen Bewegungen und Spiel perfekt imitiert.

Sänger Christian „Keule“ Hass ist der zweite Fixpunkt auf der Bühne. Er gleicht optisch fast 1:1 Brian Johnson, der 1980 das Mikro vom verstorbenen Bon Scott übernahm und trotz des Axl-Rose-Intermezzos 2016 weiterhin von den Fans als „der“ Shouter verehrt wird. Keule schreit sich die Seele aus dem Leib, zelebriert die einzelnen Songs, hat immer eine spaßige Zwischenmoderation parat. Die Rhythmusgruppe mit Ekki Bock (Gitarre), Stefan Schiemer (Bass) und Jens Gellner (Drums) sorgt für den krachenden, treibenden, knalligen Backgrund-Sound, immer auf den Punkt gespielt

„Live Wire“, „Dirty Deeds“ oder „Walk all over you“ sind solche Kracher, die schon zu Beginn des Konzerts dafür sorgen, dass die Besucher voll mitgehen. Wie die Musiker wuchsen sie in der Zeit mehr in die Breite als in die Höhe, die Haare wurden lichter, die Bewegungen etwas eckiger. Wenn aber ein „Touch too much“ aus den Boxen dröhnt, mit „Back in Black“ der gleichnamige Albumtitel von 1980 angestimmt wird, gibt es kein Halten mehr. Die gehen die Arme hoch, die Kilos werden in Bewegung gesetzt, die Songs lautstark mitgesungen.

Die fünf Musiker leben ihre Songs, spielen sie voll aus, geben alles. Da sitzen die fetzigen Riffs bis auf den Punkt, dass es die Originale auch nicht besser hätten machen können. Nach der Pause setzt die Band noch einen drauf. Voller Sound mit zwei Gitarren, eine Reibeisenstimme, die das Original vergessen lässt, wummernde Drums, dazu noch das Glockengeläut aus der Hölle zu Beginn: „Hells Bells“ versetzt die Meute in Ekstase.

„The Jack“, „Thunderstruck“ oder „You shook me all night long“ werden lauthals mitgesungen. Bei „TNT“ darf das obligatorische „Hoi, hoi, hoi“ nicht fehlen, und über den „Highway to hell“ mit den Teufelshörner bei Ralf-Angus muss man sowieso keine Worte mehr verlieren. Dass nach „Whole lotta Rosie“, bei dem sich die Band nochmal in einen wahren Rausch mit fetzigen, krachenden Gitarrensoli spielt, nicht wirklich Schluss sein würde, war eigentlich jedem klar. Es ging 40 Jahre zurück in der Zeit zu „Up to my neck“. „If you want blood“ und „Let there be Rock“ warfen einen knalligen und fetzigen Blick in die Anfangszeit der Rocker. Und dann kommt es doch – das Ende.

Mehr Bilder hier:

Zum Bericht geht's hier:…

Posted by Thomas Wilken on Sunday, February 11, 2018